John Constable y el paisajismo

Se cumplen hoy 250 años del nacimiento de John Constable, pintor inglés, ante todo de paisajes, y en particular de los paisajes del Valle de Dedham, su región natal.

John Constable, pintor nacido en el condado de Suffolk e hijo de un rico molinero, hizo a través de su carrera retratos y pinturas de temas religiosos pero fue en el paisajismo donde adquirió la condición de maestro. Se especializó en este tema después de su viaje a Italia en 1819.

Sus pinturas implican una visión detallada de la naturaleza, captando la variedad de la vegetación y cómo los cielos se funden en un todo con el paisaje.

Fue muy preciso en el uso de la luz, en la incidencia de lo lumínico para aprehender la naturaleza, anticipándose a los impresionistas. Con John Constable, junto a William Turner, la pintura de paisajes, que hasta entonces había sido considerada una rama menor del arte, adquiere autonomía y jerarquía artística. Hasta tal punto esto era así que los pintores de residencias campestres y de parques y jardines no eran considerados artistas. Con el desarrollo del romanticismo, desde fines del siglo XVIII, esto cambió, ya que el nuevo movimiento literario y artístico hacía hincapié en la relación y presencia del hombre en la naturaleza. El espíritu romántico trae consigo la intuición de lo natural y contrapone el bello jardín, con sus árboles, plantas, flores, aguas, al arte artificial y mecánico propio del mundo de la ciudad. Constable salía a los campos, anotaba lo que observaba en la naturaleza y luego en su estudio reelaboraba los materiales que había recopilado y los traducía en un paisaje. Quería con ellos plasmar lo real-natural lo más verídicamente posible.

Veamos algunas de sus obras:

El Molino de Dedham, óleo sobre lienzo, 1820.

Esta pintura nos lleva a los sentimientos de cariño que Constable tenía de su región natal, donde el molino representado era el de su padre. El mundo rural, la aldea, es captada en forma llana y objetiva. Los árboles, y junto a ellos unos caballos pastando, son representados hacia las orillas de una formación acuosa. En las aguas se entremezclan lo que tiende a brillar y lo que permanece en la oscuridad. El verdor del césped y de las hojas floridas de los árboles ponen el acento al paisaje. El verde de la naturaleza parece contrastar con el grisáceo de las nubes, mayoritariamente oscuras. Casi podríamos decir que las ramas de los árboles arañan el cielo. Se establece la unión del cielo y la tierra que constituyen el todo del paisaje.

Construcción de la Barca, óleo sobre lienzo, 1814-1815.

En un primer plano, una barca en construcción. Pero todo hace suponer una pausa en el trabajo. No hay obreros junto a la barca, solo un joven sentado y que no da muestras de trabajar. Es que lo central está dado por una naturaleza que obviamente no es producto del trabajo del hombre. Césped, árboles, agua, cielo: allí están los protagonistas de esta pintura. Las nubes que surcan el cielo; las hojas de los árboles casi quietas, tan quietas como el joven sentado; el agua, a distancia… Todo pone el acento sobre un paisaje que fue el único que Constable realizó al aire libre y que, como anticipación del impresionismo, ocupa un lugar destacado en su obra pictórica.

La Catedral de Salisbury vista desde la residencia del obispo, óleo sobre lienzo, 1823.

Aquí, y a diferencia del óleo anterior, el artista nos presenta una consonancia entre la naturaleza y las obras humanas. El paisaje, en un primer plano, y hacia el fondo, la catedral con su gran torre alzándose hacia el cielo. El techo vegetal de los árboles, en el primer plano, se alza más arriba que la torre de la catedral. Es como si la naturaleza aventajase al hombre en su búsqueda y comunicación con el cielo. Pero nada hay en el paisaje que oponga la construcción al mundo natural. Uno y otro se fusionan, se unen, para expresar la armonía ofrecida a Dios.

La Playa de Brighton, óleo sobre papel, 1824.

Estamos en presencia de un colorido luminoso, con tendencia a lo abocetado y con pinceladas espontáneas. Estas notas, desde lo formal, tienen por finalidad que el espectador capte en forma inmediata el paisaje. Y en él, la playa. Y en el agua, las embarcaciones. Y en la playa, los riscos y los hombres junto a la orilla. Y hacia lo alto, el cielo, mayormente límpido, con pocas nubes. Playa, agua, cielo, nubes es lo que aprehendemos con un golpe de vista a este paisaje. No se trata de analizarlos, sino de sentirlos. Es como si se nos invitase a hundir nuestros pies en la arena y corriésemos hacia el agua. Allí está su frescor, allí está el cielo sereno, allí está el día soleado, allí está el disfrute de la naturaleza.

Old Sarum, óleo sobre cartón, 1829.

Y la naturaleza también puede ser terrible cuando se aproxima un temporal, cuando nubes de tormenta cubren el cielo, cuando la nubosidad encapotada hace noche del día, cuando el aguacero llama a guarecerse. Aquí encontramos la luz de un crepúsculo, pero éste no es apacible, va a agitarse sobre la limitada naturaleza humana. Tal vez sea una pintura terrible, tal vez sea la agitación sin medida de los elementos naturales, pero también está la fascinación por el soplar de los vientos, por el agua que caerá sobre nuestros cuerpos, por esa oscuridad nubosa de ese cielo que parece precipitarse a tierra. Es la fascinación por lo terrible, por el desencadenamiento atroz de los elementos de la naturaleza.

Fuentes consultadas:

Gombrich, E. H. (1999). La Historia del Arte. Buenos Aires, Editorial Sudamericana.

Stukenbrock, Christiane y Topper, Bárbara (2005). 1000 Obras Maestras de la Pintura. hf Ullmann.